舒曼艺术歌曲 诗人之恋 的艺术特色_艺术理论论文十篇

舒曼艺术歌曲 诗人之恋 的艺术特色_艺术理论论文十篇

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舒曼艺术歌曲 诗人之恋 的艺术特色_艺术理论论文 第一篇

摘 要： 舒曼是德国作曲家、音乐评论家，其音乐创作中体现了浪漫主义时期的一种思想倾向：把音乐和诗歌完美结合，以诗人的眼光把握诗歌的意境，并从中发掘诗中的意境。

关键词： 舒曼 《诗人之恋》 艺术特色

德国作曲家罗伯特·亚历山大·舒曼（robert alexandaer schumann，1810—1856）是19世纪具有浪漫主义特征的作曲家、钢琴家、音乐评论家。其一生中创作了许多不同题材风格的作品，有交响乐、清唱剧、协奏曲、钢琴小品、钢琴套曲、声乐套曲等。舒曼的主要作品有《狂欢节》、《童年情景》、《桃金娘》、《诗人之恋》、《妇女的爱情和生活》等。他的艺术歌曲充分体现了浪漫主义时期的抒情风采，为后来作曲家艺术创作奠定了艺术歌曲的基础。其中艺术歌曲《诗人之恋》是由16首短小精悍的歌曲组成，内容取自海涅的诗作，改编而成，主要描绘了一位诗人经历相恋和失恋后的悲伤心情，以及对美好未来的憧憬之情，《诗人之恋》就像一部抒情的叙述诗，音乐与诗歌结合、形象生动、旋律优美，具有较强的感染力，语言简洁含蓄、意境深邃，给人一种浪漫主义的诗意幻想。

一、诗歌与音乐的完美结合

舒曼受家庭环境及诗人文学家的影响，自幼喜爱文学，并具有深厚的文学功底，被称为“诗人音乐家”，他的作品充满了诗意的色彩。在舒曼的五百多首艺术歌曲中，爱情为主要题材，还兼有一些抒情的以风景描写为题材的歌曲和叙事曲，艺术性非常高。其艺术歌曲创作方面大多选用如海涅、歌德、拜伦、席勒、莎士比亚等诗人的作品，常常在文学中汲取主题和形象，把音乐和文学相互融合，以诗人的眼光把握诗歌的意境，体会诗歌的丰富内涵，通过音乐与诗歌的完美结合及他对诗歌的敏捷而直觉的洞察力从中发掘诗歌更深的意境。Www.meiword.CoM

1828年，18岁的舒曼在慕尼黑结识了诗人海涅（heinrich heine），海涅的形象给舒曼留下深刻印象，他的诗歌给予了舒曼很大的启示，于是舒曼共将海涅的42首诗歌曲化，《诗人之恋》就是其中一首作品。在选曲方面舒曼颇具匠心，他依照海涅的《悲剧——抒情插曲》《歌之卷》中的一卷，从中选出16首，依照“钟情—表白—幸福—背弃—忧伤”的逻辑发展顺序编订而成。就像海涅诗歌的一贯基调，这是一部悲剧性的套曲，舒曼在音乐上注重歌词的连续性，精妙地把一首首小曲编织在一起，构成不可分割的整体。在《诗人之恋》这部作品中，舒曼的文学修养在音乐中很好地显现出来，其音乐与文学相互融合，充分体现了浪漫主义音乐重视情感表达。如第一首《灿烂鲜艳的五月里》，描写春天来到了，万物复苏、百花盛开，一片欣欣向荣的景象，诗人心中萌发了对爱情的渴望，表达了对爱情的渴望之情；“灿烂鲜艳的五月里，所有的花朵开放，在我温暖的心里，爱情的意念升起，灿烂鲜艳的五月里，所有的鸟儿歌唱，我向她诚恳表白，我思恋爱慕的情意”［１］。这首歌曲表达了作者内心的真诚，以及对未来爱情生活的向往。第二首《从我的眼泪里面》中诗人选定了理想的情人，刻画了一个渴望爱情青年的形象。第八首《如果花朵知晓》中有大量的颤音伴奏，暗示着诗人的烦躁情绪，但看着地上的花朵、歌唱的夜莺、天上的星星，但愿能获得安慰，然而结果并非所想。最后一句“我心底的裂痕”情感强烈，多愁善感的诗人爆发了内心的情绪。第十六首《旧日邪恶的歌谣》中诗人决心彻底地摆脱痛苦，把爱情和痛苦统统装进棺材，用十二个巨人抬着，抛入海底。这首歌曲庄严、有气势，旋律起伏比较大，整个节奏给歌曲增加了严峻的色彩。最后一大段钢琴的尾奏描写大海淹没了棺材，仿佛爱情也随之沉到海底。

二、汲取民族艺术特色

艺术歌曲的创作以德国民族民间音乐文化为基础，鲜明地表现出德国音乐的民族性，反映了德国民族的风格特点。舒曼创作灵感的来源一方面是从民歌和民间舞曲，另一方面是从日常生活中找寻灵感。如歌曲《莱茵河，圣洁的河流》就吸收了民谣、乡村歌曲、民族民间音乐的素材，显示了他对德国艺术文化有非常深厚的感情。

艺术歌曲《诗人之恋》中的第十四首是allnaechtlich im traume，在这首歌曲中，舒曼直接采用了民歌素材，与第十三首相比，前首的梦境仍然受困于破碎的感情，在这首乐曲中却慢慢出现复合的迹象。诗人在梦中见到姑娘：“你向我轻轻地说了句话，并且送我一束柏书花球。当我醒来时花球早已消失。”［2］此曲都由短乐句组成，梦境中爱人亲切地对待诗人，梦中的一切令诗人悲伤，醒来后却不再流泪，也忘了梦中的一切，仿佛意味诗人在找寻文学诗词的精美篇章，渴望音乐与诗的完美结合。总之，舒曼深厚的文学底蕴滋养了艺术歌曲创作与发展，在创作中他善于从诗中捕获音乐灵感，并把诗歌的神韵通过音乐表现得淋漓尽致，将诗“歌”化的同时也使乐成为“诗”化的乐，从而增强了艺术歌曲的感染力。

参考文献：

［1］张洪岛.欧洲音乐史［m］.：音乐出版社，1983.

［2］刘新丛，刘正夫.欧洲声乐史［m］.：中国青年出版社，1999.

［3］蔡良玉.西方音乐文化［m］.：音乐出版社，1999.

［4］舒曼著.陈凳颐译.舒曼论音乐与音乐家［m］.：音乐出版社，1960.

音乐艺术与中国传统绘画艺术的比较研究_艺术理论论文 第二篇

摘 要：音乐艺术和中国传统绘画艺术的共性主要从艺术语言角度、创作角度来考虑，其中包括创作者的心理、创作的过程、艺术的再现即审美的角度三个方面；但在形式、内容、艺术对象等方面存在的不同。在艺术领域中，二者是相互依存，相互联系的。这说明无论是哪个门类艺术，它们都有自己的独特艺术魅力并感染其他艺术门类。

关键词：绘画艺术、音乐艺术、生态美学

一、音乐艺术与绘画艺术的共性

1.从艺术语言的视角看音乐艺术与绘画艺术

艺术语言是整个艺术作品中最核心最基本的部分，而每一个艺术门类都有着各自的艺术语言。如音乐艺术语言是由声音、旋律、节奏、速度、音色、调式等多种要素和手段组织而成。而绘画艺术语言是由点、线、面、形、光、色、影所组成。

在艺术语言中，音乐的力度是通过声音的强弱变化来展现。例如《打靶归来》是一首表现队伍进行的革命歌曲。歌曲的节奏感很强，表演者在演唱这首歌曲时通过由远及近、再由近及远的方式展现，强弱的对比使的歌曲力度加强，也体现歌曲是在队伍进行中完成的。中国的传统绘画中集中体现着线、色、墨这三大元素。而绘画艺术的力度通过色彩的明暗对比来体现，光线越暗，色彩的力度也就越强。以徐悲鸿的代表作马为例，其线条流畅，黑白两色运用自如，用泼墨手法展现马的刚健有力，把马的神态和气韵突显出来。不仅仅是写实，还借物抒情，以马的豪放生机勃发来表达自己的爱国之情。无论是什么艺术，都有自身的艺术语言，其通过对这些艺术语言的运用来完成作品，从而达到一种审美愉悦。wWW.meiword.coM

2.从创作角度看待音乐与绘画艺术

1）创作者的心理

无论一首好听的音乐，还是一幅动人的画面，都需要创造者全心投入创造。通过创造者对客观事物的感知把握，以想像和情感为中心运用自己技法来表现艺术作品。创作欲望被打开，灵感被激发，在无意识的状态下，往往创作的作品更加真实、纯粹、回归自然。

2）创作的过程

无论是音乐艺术还是绘画艺术，创作的过程往往是相通的，把创作的审美欲望和审美理想进行艺术构思，并渗透着自己的观念表现出来。音乐的创作过程是很复杂、多变的，甚至有时来自艺术家的艺术想象、灵感进行艺术创作。绘画也是如此，创意在表现主题上是占主要位置，它被视为作品中的生命和灵魂。创作的过程对于每一个艺术门类来说都是一种情感的宣泄，这一过程是艺术家追求向往的心理需要。艺术家们在创作中享受艺术作品所带来的精神愉悦。

3）艺术的再现

艺术的再现是一种传达阶段。传统绘画是通过笔墨的形式将绘画作品由意象变成物象的传达过程，是对传统绘画的真实再现自然的本来面貌。音乐的传达是通过表演的形式来体现，再由人们进行欣赏。无论是绘画艺术还是音乐艺术，它们在艺术传达阶段所呈现的艺术效果是一样的，都是给人以审美的愉悦，让人们从内心感受艺术作品给大家带来的快乐，心灵上的洗礼，精神上的共鸣。

3.从生态美学的视角看待音乐与传统绘画

道与自然很早就被古人所重视。老庄曾在音乐美学思想中提到“自然之乐”。它体现“天”、“真”之乐，即“道”的音乐。这里强调的是道与自然是和谐，道是没有声音的，但它是音乐的核心。道在伦理上表达音乐最本质的东西，即精神内涵。音乐的美在于精神上、心灵上的美。

生态美学是崇尚自然美，从大自然中吸取灵感。是人通过自己的感知、认知发挥自己的创作力，并加入自己的情感而表现出来的一种艺术形式。每一个艺术作品，无论是音乐还是绘画，在表现手法上都在运用着生态这个词。音乐本身是一种声音，而声音的质朴就是生态的，它是将不同的声音有组织的创造出动听的音乐，这种悦耳的音乐产生的美感是自然的流露。中国传统绘画艺术很早就注重人与自然的相互结合。宋代的山水画在描绘山水的同时，把人物、书法也加入作品中。在绘画理念中不仅仅是写实，而且注意传神的运用，在创作作品时加入自身的情感，使整个画面变得更加的自然饱满，有生机。例如：范宽的《溪山行旅图》轴，画的正中间有一座高大方正的山耸立着，显得非常的雄伟壮观。山上的岩石质地坚硬，松柏挺拔茂密。而山下有泉水和山丘，山丘周围还有一些小房子被四周的树木包围着只看到屋顶；驴子驮着货物被人驱赶着向前走。整个画面虽然是在写景，却在山水的背景画面后又衬出一个小的画面，每个人物都描绘的格外细致。这种把人与自然的完美结合是自然生态的和谐美。

二、音乐艺术与中国传统绘画艺术的对比性

音乐艺术与中国传统绘画艺术从艺术形式、内容和艺术对象等方面存在的不同，音乐作为一种听觉艺术，表现手法是丰富多变的。音乐在声响中所产生的音效是难以用语言所表达，它不仅赋予人们情感的表达，而且使人们对其产生审美乐趣，使人们完全沉浸在音乐之中，那种意境只有欣赏者能体会的到。音乐之所以能够表达情感是由于其内在的真实性，因为音乐离不开创作者的用心创造，他们都是通过自身感受体验，运用大量的感性材料，赋予声音以情感本质。而绘画艺术作为一种视觉艺术，其表达情感是通过颜色和造型的比例运用，如红色代表热情、欢乐，黑色代表低沉、沉闷、厚重。颜色是绘画艺术表达情感最直接的方式。罗马普卢塔克提出“色彩为心灵造出更为生动的印象，因此它是一个更为巨大的幻想之源。”色彩本身具有客观性，所以创造者在创造作品的时候，对色彩的运用会影响人们的情绪反映。

三、音乐艺术与绘画艺术的相互联系

随着科学技术的发展，人们对艺术效果有了更高层次的追求，无论是在音乐艺术还是绘画艺术都有着进一步的发展。一场音乐会，不光是欣赏音乐，而通过演奏或演唱的方式让听者更加理解音乐所带来的艺术魅力，音乐产生的美感往往和绘画艺术有着内在联系，例如：草原《牧歌》，开头的曲调是一段悠扬的马头琴，给人一种时间的延展性。音乐所产生的意境在旋律高低起伏中展开，你仿佛可以触碰草原上的鲜花和绿草，可以呼吸到草原中给你来的清香的空气，一切是那么的美好，人与自然的和谐之美同样在绘画中也有体现。音乐情感的表达往往更自然的，更真实，更具体，更直接。音乐离不开绘画艺术的某些元素。同样在绘画领域中，画展与音乐的结合，让欣赏者把那种对绘画的感受与音乐的情感表达相统一，就像画家康定斯基所说“绘画是视觉的音乐”。

所以无论是哪个艺术门类，它们对艺术精神的追求是一致的，崇尚着更高的艺术理想，艺术的感染力来自艺术本身的独特性。不仅提高我们的审美愉悦，也提高我们的精神层面的追求。音乐艺术和绘画艺术的共通性，在今后研究领域中不断的总结和探求。

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参考文献：

［1］ 蔡中德.《中国音乐美学史》.音乐出版社,20xx.3

［2］ 彭修银.《中国绘画艺术论》.山西教育出版社,20xx.12

［3］ 齐易.《音乐艺术教育》.出版社,20xx.1.11

［4］ 滕守尧.《艺术社会学》.南京出版社,20xx

［5］ 胡凌.《绘画艺术教育》.出版社,20xx.1.11

［6］ 美术史系中国美术史教研室.《中国美术简史》.中国青年出版社,20xx.5

［7］ 陈延.《道法自然》.中国社会科学出版社,20xx.11

［8］ 杨恩寰 梅宝树.《艺术学》.出版社,20xx.5

［9］ 范曾.《范曾谈艺录》.中国青年出版社,20xx.9

论梵高艺术创作的人文情怀及艺术价值_艺术理论论文 第三篇

梵高是荷兰后印象派画家，世界艺术史上“表现主义”的艺术先驱。梵高是伟大的，他的伟大不仅是因为其艺术作品本身所具有的艺术和市场价值，更主要是其为艺术而燃烧自己生命的伟大殉道主义精神，他的不朽足以当之无愧的堪称为世界画坛屈指可数的艺术巨匠。论及自然生命，梵高的一生是短暂的，但就是其短暂的一生，梵高完成了作为一位杰出艺术家的独特的艺术创造图式。梵高的艺术“是献给未来的”，他不朽的艺术精神将在世界艺术史上永放光辉。

[关键词]梵高艺术创作；人文情怀与艺术价值；世界艺术史

文森特·威廉·梵高(vincent willem van gogh，1853-1890)，荷兰后印象派画家，表现主义艺术的先驱，其作品如《星夜》《向目葵》与《有乌鸦的麦田》等深深影响了20世纪的世界艺术。1890年7月29日，梵高因精神疾病的困扰，在美丽的法国瓦兹河畔结束了其年轻的生命，时年37岁。梵高的一生是短暂的，也是伟大的。梵高的伟大不仅是因为其艺术作品本身所具有的艺术价值和市场天价，更主要是其为艺术而燃烧自己生命的伟大殉道主义精神，富含悲剧色彩的人生经历和催人泪下、不被当世人所理解的苦难情感世界以及撼人心魄的传奇式绘画历程。他的不朽足以当之无愧的堪称世界画坛屈指可数的巨匠。

一、孤寂的情感世界与悲悯的人文情怀

梵高出身于牧师世家，他从事过画商工作，做过短暂的传道士，也曾想仿效做一个心灵高沽的圣徒；他曾经历过痛苦的恋爱但一次次的以失败的打击而草草收场；感受过被人误解的孤独与无奈；最后执着而疯狂的用全部的生命把绘画艺术推向一个极致。wWw.meiword.COm他一生悲悯人类的苦难，并希冀以牺牲自我的方式去救赎别人，以真实的自我感悟自然，以独特而博大的人文情怀和苦难精神把生命的全部意义在其艺术作品中得以诠释。梵高是真实的。他一生热心于帮助贫穷的人们，并深入其中尽自己最大的能力关爱这些善良朴素的心灵，他经常保持虔诚和永恒的爱心去品读圣经教义并以自虐式精神在生活中践行自己的信念：他大量翻阅自己喜欢的文学作品，在知识的海洋中孜孜不倦地汲取精神食粮；他热爱生活，热爱生命，坚持自我，努力工作，即便在生活最困苦最疲惫、在身心最孤寂最无助、在所有人都不理解而被当作异类而遗弃的时候，梵高还是始终在工作，直到自己结束生命的最后时刻，仍对生命本身带有极大眷恋。“悲情永驻”(the sadness will lastforever…)这句他的遗言让所有人对其死神袭来的悲凉心境凄然泪下，历久无法平静。“…一个人必须带着高尚严肃亲切的同情心去爱，带着力去爱，带着理智去爱，……，这是通向上帝之路，也是通向坚定不移信仰之路。”梵高宗教般的人文情怀和艺术信仰超越时空，他悲悯的苦难精神和真实的人格情操万古不朽。

爱情与事业是人生不可或缺的两大内容，从某种意义上说。梵高苦难的生命或许是从他接二连三的失败爱情开始的。当21岁的梵高在伦敦古比尔公司勤快工作的时候，此时的他，性格孤僻而不大合群，甚至有点古怪和偏执，期间，房东19岁的姑娘厄修拉像一只婉转的百灵鸟出现在他的眼前，这天使般的姑娘一下子迷住了正处在青春萌动期的梵高。而后，厄修拉彻底改变了梵高孤僻的性格，把他从狭小的个人天地带出来。让他看到了生活的美好。他神往恋爱、渴望厄修拉的爱。然而。当他一厢情愿鼓足勇气向厄修拉求爱时，梵高却意外遭到了已经订婚的厄修拉的断然拒绝。初恋的痛苦使梵高的性格更加怪异，他一度消沉和迷茫，巨大的伤痛和孤寂使他渐渐趋向宗教，短暂的传道士经历由此开始，悲悯的人文情怀由此逐渐清晰。梵高的伤痛还远不止他的初恋和传道士职业的破灭。当他爱慕的表姐凯特残酷无情地用她那蓝黑色的眼睛盯着梵高说出“不。永远不，永远不”以及姨夫斯特立克向他说出“滚出去。永远不准再来!”之时，巨大的悲痛彻底地粉碎了梵高的梦，他又一次尝到了事与愿违的残酷苦果。后来，梵高遇到又丑、又醉而且还患有性病、怀孕的西恩，他们在一起过了20个月后迫于压力最终分开，他把自己所能有的全部爱情都奉献给了这个最不值得爱的女人。直到他的邻居——一个老处女爱上他却遭到家人反对而自杀后，梵高幡然醒悟：对他来说，爱情和人类之爱、上帝之爱永远不会垂青在他身上。从此，他那屈辱的自尊便到绘画中去避难了。而后，悲悯的人文情怀又一次于梵高的艺术作品中得以展现。

二、独特的生命蜕变与疯狂的艺术情怀

从某种意义说，梵高的人生轨迹并不是由自己一手所策划的。梵高一直活在世俗和家人的既定法则和意愿中，但是当他遭遇了痛苦的感情世界、悲悯的传道士以及自虐式的情怀和种种不幸后，他开始领悟到以前从来没有想过的事情：一切关于上帝的说法都是天真幼稚的说辞，上帝是不存在的。这个世界只有一片浑噩、悲惨、苦难、残酷、煎熬和无尽的黑暗。他对世俗开始怀疑、不平、仇恨……这些都似乎预示着他的人生将有所改变。终于他在生命的最后10年伴随着痛苦的冲突和摇摆中彻底的发现了自我。

正如梵高自己所说：“我也会有用处的，我也感到自己生存的理由，只是要怎么做，我才能成为有用的人?对哪一方面有用?”是上帝给予他天才式的思想和智慧。由于以前对绘画的了解和热爱，他的脑海中时刻流传着对绘画的热望，这种急切的愿望正在超越其他一切感觉，而即将奔涌出来。“经过了’这些虚度的岁月，我终于发现了自己!我将成为一个艺术家。我一定要成为艺术家。那就是我做不好其他一切工作的原因，因为我不是那料，现在我已经抓住了永远不可能失败的东西。”梵高开始了真正意义上的绘画生涯。

初涉画坛之前，梵高通读了狄更斯、斯托、雨果、莎士比亚和米什莱等大师的文学著作。接触和鉴赏过包括夏尔·得格鲁、伦勃朗、吕斯代尔、巴比松和海牙画派等大师的艺术作品，并以米勒和伦勃朗等大师为导师，精心临摹了自己喜欢的大量作品。一开始梵高就显示出对绘画惊人的敏锐力和感悟力。在寻求自己绘画的艺术道路上。梵高先到布鲁塞尔学习透视学和解剖学，然后在法国的埃顿、海牙、纽南和安特卫普辗转学画。这段时间他创作了大量的农民肖像画和风景画。作品大都以灰暗的色彩表达了画家内心的苦闷孤独和对下层的同情与怜悯。

梵高并不满足于现有的艺术创作状况，而后他来到巴黎。期间，在弟弟提奥的引荐下，梵高结识了许多印象派画家，并得到毕沙罗的赏识和指教。他尝试着学习运用明亮的色彩，于是，其艺术作品也逐渐明亮起来，并通过技法、运用点状的笔触和单纯的色彩，将其对艺术的满腔热情表达出来。此时，梵高总是处于创作的狂热之中，他的艺

术风格也因此独树一帜，并成为后印象主义绘画艺术的杰出代表。也就是在这一时期，日本的“浮士绘”出现在他的眼前，这些独具特色的东方艺术因为其色彩鲜明、线条简明而又富有表现力打动并唤起了梵高的共鸣。他吸收其精华，并在自己的艺术创作中加以实践，使自己的作品更加丰富，更具特色。这种博采众长、使东西方绘画技法集于一身的做法，致使梵高的绘画进入了一个新的境界，并超越了欧美同时代许多优秀的大师，形成了自己独特的艺术风格。而后，拥有印象派灿烂色彩和东方艺术简洁线条的梵高，内心蕴藏着一股强烈的情感需要倾泻。他已不满足于巴黎的阴郁，他向往着更加光明的地方，因为他心中有着十倍于太阳的热情，急需一团烈火来加以引发。于是他来到了法国南部的阿尔小镇，这里到处辉煌，梵高的天分和完全得到了表露。他曾如此白问：“我的体内存在着某种东西，那是什么呢?”现在，那个莫名的东西形成一股不可遏止的力量爆发出来。他以惊人的勤奋不间断地进行创作，阳光让他兴奋，他用艺术描绘着象征热情、光明和生命、富有金黄色彩的太阳，描绘着阳光下的田野，描绘着田野周围生活的农民。热烈的太阳神给了梵高源源不断的创作灵感，高涨的创作欲望驱使梵高投入近乎疯狂的工作之中。期间，他大胆创新，大量运用红、黄、蓝等原色。尤其喜欢用红色、黄色及柠檬黄和橘黄。他认为。这种红、黄原色产生的强烈效果会给受苦难的人以希望，也会给自己以慰藉。他的作品色彩炫耀，笔触有力，一笔一画之中运载着奔涌不息的情感激流。粗犷、豪放、充满动感，紧张、强烈而富节奏。这些伟大的作品传递着梵高满腔，表现出一种既热烈又悲伤、既躁动又孤寂的内心情绪。在一年多的时间里，他竟然完成了200余幅油画和许多素描作品，他的绘画技法臻于成熟。

但是。他那不修边幅的艺术家外表、忧郁孤僻的内心及其意气冲动与暴戾的性格使得人们害怕他、讨厌他，甚至有人把他当作疯子。而他却以高度的绘画热情忍耐着人们对他的误解、敌视甚至驱赶，终于在一次割耳事件后，他被送进了精神病院。他忍受着内心不被人理解的巨大痛苦和身体的极度折磨，而他体内燃烧的绘画却从没有停歇。这时的梵高开始按照自己内心的感受来作画，激越而狂放。作品还使用了一些旋转、扭曲的线条，扭曲的笔触向上升腾着，画面给人一种流动感，并体现着、充满着力的搏斗。这正是梵高内心所追求且意欲所反映的深刻的思想意境。这种境界体现着梵高桀骜不驯、不屈于命运、积极向上且与命运抗争的人格与精神。但是。梵高还是没有战胜精神抑或是癫痫的巨大创伤，他还是向自己扣动了扳机……。倒下的36个小时后，一个幽灵飘向了极乐世界。半年后。他的弟弟也辞别于世，他们生前永不分离，死后仍旧魂魄不离。

三、不朽的艺术价值

我们很难相信一个人会把自己全部的生命都倾注于艺术创作中，但是面对梵高绘画艺术的真实感及其所表现出来的对生命力的追求及对苦难民众不屈于命运的关切之情，我们会为之一震。因为这种面对社会丑恶、腐朽而表现出的不屈的精神将鼓舞后来者在艺术长河中不断地探索与追求。

论及个人，梵高无疑是不幸的，他单纯的理想主义信念，痛苦的疾病折磨，孤僻、直率、执着而神经质的性格使他难以融入当时的社会，并与人为善相处。也许正是这种性格缺陷成就了梵高的不朽。他以广博的文学修养，宽厚的人文情怀，博大的同情心，悲悯的精神，火热的创作，独特的绘画技巧，把生命中最宝贵的东西燃烧在绘画艺术中，形成了他得以不朽的艺术生命。

梵高的不朽来自于他高度自觉的自然观绘画思想。早在18世纪，法国启蒙思想家卢梭就提出了“返回自然”的自然观思想。自然观思想认为，艺术家只有投身自然。才能创作出美的作品，诠释美的生活。凡高的艺术创作深受自然观思想的影响，他以宗般的虔诚走进自然，诠释人生。他以其孤寂的生活和楚苦的精神世界为创作背景，运用绘画的艺术形式表达出了属于他自己的个性化的自然世界。凡高描绘出的自然世界不是纯粹的外在于人的客观存在，它是内化于人的“人化自然”。他通过绘画艺术将自身的内在心灵与其所处的社会联系起来，正如梵高所说：“在见到诸多自然事物时，如当看到一片树木时，我都能看到自然的表情，甚至感受到他们的心灵。我甚至奢望能够在那里找到某种斗争的方式。”于是，作为一名艺术者，梵高一直在努力寻求人生意义与自然的本质之关系，他说：“一名社会劳动者形象，一片沙滩、天空与海洋，一块犁地上的犁沟等，都理应成为艺术描绘的对象。将这些自然物描述出来都是不容易的，但由于他们都是生活之美的对象，一名艺术家终其一生从事于表现这些自然物之美，确实是值得的。”因为反映自然之美是非常值得的，所以，梵高常处于一种精神极度亢奋的状态来进行他的艺术创造，正因为这种执着，梵高的艺术作品才真正反映出来自然的“生气与真诚”，打动了有灵性的艺术之人，并传于后世而永不退色。

梵高特行的创作精神与思辨意识也促成了其不朽的艺术生命。梵高也曾震撼于米勒、伦勃朗、德拉克罗瓦等艺术家的绘画作品，然而，他更多的是吸取其创作精华，注重自身情感的表达，强调自己的主观感受，追求形式和心理的平衡。梵高绝不墨守成规地照搬传统和如实地描摹自然，他终其一生努力寻求个性化的艺术表现手法，并最终创造出了属于自己的艺术样式。梵高反复强调，艺术创作要“尽情地表现自我而不是努力地表现眼前之物”。梵高的人生是短暂的，但是，他却用短暂的一生完成了作为一位杰出艺术家的独特的艺术创造图式。他用他的绘画作品表现了他独特的艺术人生和人文情怀，震撼着后来的每一位热爱艺术、热爱生活的人们。他的艺术作品在他去世近100年后成为了世人以天价竞购的对象，根本原因在于他悲悯的人文情怀及疯狂的艺术情怀，并由此带来的无穷的艺术价值。梵高及其艺术作品开启了西方现代艺术的大门，并成为西方艺术史上“表现主义”的艺术先导。梵高的艺术“是献给未来的”，他不朽的艺术精神将在世界艺术史上永放光辉。

西方现代艺术守护神 解读杜尚艺术思想的破坏性_艺术理论论文 第四篇

摘要：杜尚是20世纪最重要的反传统和反美学的艺术家，他的出现改变了西方现代艺术的进程。可以说，西方现代艺术，尤其是第二次世界大战之后的西方艺术，主要是沿着杜尚的思想轨迹行进的。因此，了解杜尚是了解西方现代艺术的关键。二十世纪实验艺术的先验，被誉为“现代艺术的守护神”，达达主义及超现实主义的代表人物之一。

关键词：艺术观念 材料 破坏 创造

杜尚对于传统艺术规则的破坏力是惊人的，他从艺术的观念、材料以及制作技巧等各方面向传统艺术发动攻击。杜尚的强大破坏力让本来已经濒临崩溃的传统美学体系彻底土崩瓦解，而他攻击传统艺术规则的武器又成为二战后现代艺术家的指向标，指引着他们的前进方向。在摧毁了旧的美学体系的同时，新的艺术观念和艺术样式被他创造出来了，他的崇拜者们建立起了以他的艺术理念为基础的新的美学体系，尽管这并不一定是他的本意。

一、.杜尚的艺术观念

杜尚一生都在与现有的规范做斗争，也不愿意参加任何形式的团体，由于他思想和行为的超前性，当时的人们对他难以理解。比如在一个架上绘画大行其道、很多艺术家都热衷于在画布上搞革命的时代，他却在1923年放弃了绘画。在此后的岁月中，他宁愿用他的时间来下国际象棋以及偶尔推出他的“现成品”作品，也决不再涉足绘画领域。

实际上，杜尚与那些早期的现代主义艺术有着很大的差别，他不满足于像同时代的其他艺术家那样在画布上进行“形式革命”，杜尚认为艺术作品的价值在于它是一个传达思想的“符号”，能够迫使观看者主动地思考和创造性地参与，他想要使艺术获得一种超越视觉感官的精神力量。WwW.meiword.Com杜尚创造的现成品艺术就是基于这些看法，他认为艺术家可以不参与艺术品的制作过程，而只需要选择普通的工业产品并使之“符号化”与“意义化”。这种观念显然是令当时的绝大多数艺术家无法容忍的，因为不管是传统艺术家还是现代艺术家，都是在运用一定的形式去模仿或创造一种被界定为“艺术品”的物品，这种物品在技巧、工艺以及趣味方面有别于日常用品，在杜尚以前从来没有人怀疑过这一点。杜尚完全破坏了当时人们对于“艺术品”的界定，模糊了艺术与非艺术的界限，他把一些当时人们认为是“非艺术品”的物品与“非艺术”的观念引人艺术之中。在杜尚的艺术观念中，艺术家有可能把任何人或者机器制造出来的东西“符号化”“意义化”，并使之传达艺术家的观念。

杜尚的这种只追求艺术观念的传达，而忽视艺术制作技巧和制作过程的超前观念，创造了一个现代艺术的。

二、杜尚对于材料的运用

杜尚在其艺术生涯中不断地对各种已有的规则提出质疑，这莫定了他艺术的基础，也使他对传统艺术进行攻击的时候灵感源源不绝。放弃架上绘画是他一个重要的反传统举动，这个举动是伴随他反传统的艺术概念出现的。既然要放弃传统的绘画，就意味着要找到新的艺术媒体来对抗以颜料、画布为代表的传统艺术媒介。杜尚在材料选取上作了很多新的尝试，也就是从他开始，现代艺术的材料和手段不断丰富，彻底摆脱了传统材料的局限。

杜尚制作艺术品的材料往往是生活中常见的用品，比如他1916年的作品《隐去的噪音》，由一个麻绳团夹在两块刻有文字的金属板之间构成，麻绳团中有一个只有艺术家本人才知道的能够发出声音的物品。还有另外一件更为著名的作品《大玻璃》，这是一件让所有的批评家都产生了挫败感的作品，人们很难解释清楚它的意义。杜尚为这件晦涩的作品起了一个性的标题:“新娘甚至被单身汉们剥光了衣服”。他在这件作品中所用的材料的组合更是史无前例的，他把一些丝线和上色的金属箔片夹在两层大玻璃板之间，再用油彩在需要的地方描画形象，最后完成这样一个既非雕塑也非绘画的综合材料作品。《大玻璃》分为上下两部分，上半部分画着一件机械样的东西，很难看清楚它的具体形状，杜尚喻之为新娘；下面绘有一个连着九个模子的巧克力磨碎机，模子乍看起来像国际象棋的棋子，代表九个单身汉。作品上下两部分的形体特征完全不同，在上半部分的新娘机器中主要形体或多或少，或大或小，显得毫无规律:而在下半部分单身汉机器中，主要形体都是精确的和几何形。杜尚用这些形象来暗示男女之间的关系，其中充满了性的暗示。这个作品包含了杜尚对无个性机械的迷恋、对规则的嘲讽等诸多因素。

不管我们是否能够真正理解杜尚制作这些作品的初衷，可以肯定的是，杜尚这些综合材料的作品成功突破了艺术制作材料上的局限性，极大地拓展了艺术表现的空间。战后出现的废品艺术、装置艺术和波普艺术等都运用了各种材料，这些艺术流派运用材料的多样性很明显受到了杜尚作品的启发。

以上是对杜尚艺术生涯的最好诠释，他是现代艺术史上一个里程碑式的人物，他从根本上改变了人们的艺术观念。杜尚是一个天生的怀疑论者和反规则主义者，他用一种比较理性的态度去一切现有的艺术规则，也正是他对传统艺术规则的无情破坏，让人们摆脱了传统艺术观念的束缚，为20世纪特别是二战后的现代艺术的发展扫清了障碍。

参考文献：

［1］ 作者: ：张育英 《社会科学战线》1999年1期

［2］ 作者：卡巴内(法) 王瑞芸 翻 王凌著 杜尚访谈寻 文化艺术出版社 1997-03

浅论现代艺术与当代艺术的区别_艺术理论论文 第五篇

摘要：现代艺术与当代艺术到今天为止都经历了一段时间的发展，两者的区别一直是现今讨论的一个热门话题。本文简要讨论了现代艺术与当代艺术的区别及现代艺术产生的历史文化背景。

关键词：自我批判；形式简化；形式自律；社会现代性；审美现代性

现代艺术的发展大致经历了从马奈到毕加索再到波洛克这样的一个发展线索；而当代艺术则是从杜尚到安迪.沃霍尔这样的一个发展线索。到了20世纪60年代，现代艺术基本上走向终结，我觉得可以把这个时段看作现代艺术与当代艺术的一个分水岭。

现代艺术是将“自我批判”当作现代主义发展的动力，而且将纯粹性、平面性、媒介性看作是现代主义绘画的本质属性，而哲学化的“自我批判”最终以“形式简化”的原则体现出来。

而当代艺术的本质则是对“形式简化”及“形式自律”的否定，并力图填平艺术与生活之间的鸿沟，让艺术重返现实。

在讨论现代艺术与当代艺术的区别时，如果要理解两者之间的更深层次的差异，我们则要追溯两种艺术形式产生的、文化、艺术语境。首先，我们从西方启蒙运动以来的两种现代性的与冲突说起，即社会现代性和审美现代性的对抗。社会现代性从一开始就与18世纪以来的工业革命和随后资本主义的高速发展有着亲密的血缘关系，它来源于资本主义对人类的承诺和期许，即一个建立在科技和工具理性基础上的，由社会的现代化变革营建起来的平等、和自由的世界，到18世纪晚期，启蒙主义的思想家将伴随着社会现代性而来的理性精神提升到前所未有的哲学高度，因为，在他们看来，资本主义将创造一个崭新的世界，这个新的世界比之前的一切社会都更加优越和先进。www.meiword.Com

此后，社会学家马科斯.韦伯进一步谈到，随着资本主义社会的发展，由宗教、宗法、血缘为主导的传统社会开始出现分化，形成了不同的社会生活领域、经济领域、领域、审美领域、道德领域、知识领域等。同样，理性领域也出现了分化，就像康德将哲学、道德、审美看作三个不同的领域一样，韦伯也将其概括为认知理性、道德理性和艺术理性。从理论上讲，如果这三种理性能够协调发展，便能构建一个完美的社会，然而，19世纪以来资本主义社会出现的种种危机皆源于这三个领域发展的不平衡，结果导致了它们三者之间的进一步。对这种，美国社会学家丹尼尔.贝尔曾这样解释，“掌管经济的是效益原则，决定运转的是平等原则，而引导文化的是自我实现或自我满足原则（self-realization or self-gratification）”。而审美现代性与社会现代性的矛盾则来源于经济领域所要求的组织形式同现代文化所标榜的自我实现规范之间的断裂。随着资本主义社会的发展，审美现代性与社会现代性开始逐渐，两种现代性的激烈对抗成为了现代艺术产生的前提，而以审美现代性为载体的现代艺术也增添了精神和文化上的附加值，即通过艺术来体现艺术家所具有的反叛性、精英主义的个体价值。审美现代性用一种近似于极端的否定态度去抨击和批判依托于科技、工具理性的现代性发展。因为，建立在资本主义现代化基础上的社会现代性最终会带来所说的“异化”和卢卡契所言的“物化”。同样，现代人也无法打破韦伯寓言的由工具理性带给人的“铁笼”，以及终将变成马尔库塞称为的“单向度的人”。

其次，审美现代性除了具有孕育自己的社会学土壤外，在艺术史的语境中，它同样有着自身内在的发展脉络。一方面，在美学领域，18世纪晚期席勒、康德提出的“审美自律”为审美现代性的合法化提供了理论上的支撑。另一方面，19世纪中期以来，当欧洲的现代派艺术家将“为艺术而艺术”作为创作的主要目的时，审美现代性便具有了艺术史的维度。

而当代艺术则是对这种审美现代性的批判和否定，这种否定大致体现在两个方面：一个是批判形式自律导致了艺术与现实生活世界的彻底分离。因此，我们可以看到，当代艺术作品中大量使用生活中的现成品，而这在现代艺术中是几乎看不到的。另一个是否定—现代主义所形成的一套艺术体制，这样就可以将现代艺术中处于“缺席”状态的达达、波普艺术包括进来。

此外，现代主义的艺术家希望通过形式自律来营建一个“乌托邦的世界”，并以此与外部的现实世界进行对抗，而当代艺术则认为“形式自律”就像宗教一样，是艺术家的“精神”。如果仅仅追求形式自律，现代主义艺术不仅会与生活世界完全脱节，而且也会丧失反思、批判、介入现实世界的能力。当代艺术不是选择逃离这个异化的现实世界，而是选择借用现实世界的物品来抨击，批判这个异化的世界。因此，我们可以看到当代艺术中许多作品具有批判现实的意味，而现代主义的作品则更多的关注作品本身的语言风格流变，及形式更替。

以上是我对现代艺术与当代艺术区别的一点浅见，不足之处，还望多多批评指正。

参考文献：

阿纳森.西方现代艺术史[m].天津美术出版社，20xx.

[2]何桂彦.批评的终结[m].文化艺术出版社，20xx.

从西方艺术体系到中国艺术体系_艺术理论论文 第六篇

这是从一门关于西方现代艺术和西方当代艺术的区别的课上得来的听后感之类的文章，西方的艺术评论家对他们的艺术史的时期如数家珍，界定也明确无比。但对于中国的很多艺术家和艺术学生却很难有个清晰地头绪，这是环境、教育、历史等等因素的结果。纵观当今东西方艺术，客观后畅想未来，有感而发。

【关键词】艺术；体系；中心；教育；发展

一

做为中国一个美术院校的学生，凭自己就把西方当代艺术和西方现代艺术分清楚实在太难了。这种可能性不是一味靠在学校刻苦研究就能实现的，毕竟你要研究就得有研究的材料，这一点，国内可能不完全具备。另外，即使从学校的老师那儿聆听训诲都未必能听到，因为对西方艺术史的脉络清晰的，在西方取到真经的“唐僧”毕竟也是少数。而在他们，大概以为这基本的常识性的艺术史和脉络是不需要自己再多此一举地讲说一番的罢。中国的院校课堂上不是有专门的美术史课程吗？自己且做好自己份内的事，没必要掺和这一脚罢。他们似乎是从发展脉络清晰的奄奄一息刻板的西方艺术体系逃回了不成体系的却蓬勃待发（至少是待整理且皆有可能）的中国现当代艺术体系。

然而中国现在的艺术体系和脉络完全是属于自我整合阶段，也一心想跟西方艺术接轨，但舞弄了半天，似乎也没接上，倒是搞得个的热闹非凡——什么主义都有，而有的主义在西方已经进了坟墓,只留下几个名子在艺术史上写着，并把几件作品陈列在美术馆里作为纪念，这都是宣告xx主义的死亡，因为有新的 xx主义发展替代了它。然而在中国，你会看到在西方已死的xx主义还在挣扎，甚至有起死回生的嫌疑，只是转移了阵地的感觉。wWw.meiword.COm各种死亡的西方xx主义在中国这片广袤无垠的红土地上生根茁壮，开花结果。虽然说是玩儿别人玩儿剩下的，倒也自得其乐。一片红火光景。像一个派对，奇怪而有魅力。

造成这种现象的原因有很多。首先中国的国民性中有“拿来主义”的根，你玩儿我也玩儿，大家一起玩儿。听起来这是个玩笑话，不过确实也拿来了很多，以至于西方很多流派从标本的命运在中国似乎“起死回生”了。尽管听说西边某主义已经“玩完儿”，但这不正好吗？你玩儿完了就该我玩儿了，“你方唱罢我登场，西方不亮东方亮”嘛。另外，我想也是最关键的，就是中国艺术家对西方艺术脉络和界定的不清晰造成的，而且对这些“西方神话”有憧憬，中国的艺术圈现在也在创造很多神话。

这样玩儿下去，肯定是各玩各的，也许永远没有“东西合璧”的那一天。有人说地球已经是一个村儿了，资讯又这么发达，以前不可能，但现在怎么可能接不起来呢？我想这不是简单的一个外部环境，硬件改造的问题，这绝对是一个软件升级的问题。而且还是一个细节大于大关系的问题，是要经过几代不断换血（很关键的环节：教育环境），在大关系逐渐明朗，细节渐渐到位，东西体制和操作逐渐规范，国际间的展览、评论、艺术家之间的交流都一体化时才有可能达到一个村儿的感觉。

以前艺术的中心在法国，后来转到美国。会不会有天就转到中国呢？不是没可能，如果到那时中国的艺术家和评论家对西方艺术发展史的脉络和各主义的界定仍不清晰就实在说不过去了，然而想想似乎也无伤大雅，中心都在这儿了，清不清楚只是个时间问题，也许艺术的中心到中国时中国还根本没觉察到。会不会就是现在呢？

二

西方的艺术家在头脑中对西方艺术发展史的脉络和各主义的界定会如此清晰，我想这跟他们的教育和思考方式、整体的人文性格有关。所以他们总能给自己一个定位，且不断能梳理自己前进的方向，无论自己所作的受到怎样的追捧或批评，这个清晰地脉络总是自己坚持下去的理由。因为是在预见艺术史，且参与艺术史。这一层上，西方的艺术家们在有意扮演“先知”的角色。当然在这个角色中艺术家最多只参与了一半，评论家至少是另外的一半。这一点，中国的评论界和艺术界是缺乏的。总之，清楚些总要比摸着石头过河好。

当然，太清楚也有不好的一面，就是会局限，会陷于不自由。好比大家一起做游戏，玩了几天下来，便渐渐有了规则，有了禁区禁令，这自然会限制参与游戏的人。西方艺术发展到现在的瓶颈也许就在于此，一切都太规范了，看似自由的艺术（一个主义对一个主义的更替，就是为了打破规范追求自由，但往往又多了一层限制）却越来越不自由。本来为了好玩儿的艺术越来越不好玩儿了，个人化的行为如今成了集体操作的流水线，造星（艺术家的成功）、生产（集体行为）、艺术家的创作不再是自己一个人的事，在他背后有很多人和机构，在他前面有很多不确定，在他周围有很多钱在运转，这和一个商场里的货物的距离越来越小，艺术家不再是自己艺术的主宰，艺术也早从圣殿中走下圣坛，如今已在运作超级规范成熟的“怡红院”沦为了明码标价的“风尘女子”，艺术家便是卖“儿女”的生育工具，生了卖，卖了生，这生育跟生意掺和在了一起，已由不得艺术家自己想怎样了。

三

艺术本来就是很玄的事儿，艺术流派的归类和界定似有迹可循有证可考，但在发展中要完全梳理清，尤其是当代艺术之后这一段儿，实在是太难了。这在西方也使得很多艺术史家茫然，使得艺术家茫然，更况论让中国的艺术学生！所以在这一说不清的进程中怎么前行，这是一个很值得探索和思考的问题。也是一个长期综合的过程，需要不断地学习，有效的教育和学生个人的准确判断能力。所以应该在弄清西方艺术发展史和清晰界定各个时期的基础上，多了解西方艺术现状，多思考自身的艺术发展实际情况，批判地继承和发展。

愿中国当代艺术的发展像中国近代的发展进程一样，从西方取得了理论，然后摸索出有中国特色的发展道路。艺术中心转移到东方也许将不再遥远，在西方艺术和其市场面临瓶颈的时候，也许会真应了这句话：你方唱罢我登场，西方不亮东方亮。

现代主义艺术家 阿梅迪奥 莫迪里阿尼的独特艺术_艺术理论论文 第七篇

莫迪里阿尼曾经属于二十世纪初在巴黎被称为"该死的画家"这个下层艺术圈。他受母亲的影响很大，自幼热爱诗歌和哲学。他一直体弱多病，精神的渴望使他沉浸在酒精、、女人中。在落魄的艺术生涯中，麻醉是让他活下去的最好理由。第一个真爱他的女人贝雅特丽斯曾如此形容：“他性格矛盾，粪土和珍珠参半，他吸毒喝酒，并无特别之处……丑陋、贪婪、粗暴”。但她也预言：“这位不走运的艺术家将名垂千古。”

莫迪里阿尼在与贝雅特丽斯认识后，贝雅特丽斯时常做他的模特，莫迪里阿尼更加注重模特情感精神世界的描写，画风逐渐开始成熟。约翰.伯格在《观看之道》中写到：“当能观看后不久，我们就意识到别人也能观看我们，他人的视线与我们的相结合，使我们确信自己置身于这可观看的世界之中”。但对于莫迪里阿尼的绘画来说却很难感受到别人的观看。约翰.伯格形容莫迪里阿尼： “一个描画视若无睹的双眼的人——眼睛经常是关闭的，即使眼睑睁开，也没有虹膜和瞳孔，然而眼睛却任在缺席里述说。”

绘画之首要和基本目的，是为了唤起那缺席事物的在场，那么，一般而言绘画召唤的是身体这一点也就不足为奇了。它们的在场正好合乎我们在集体荒居和个人独处时的所需，我们从中得到安慰、强化、鼓舞或激励。绘画陪伴我们的眼睛。而这陪伴通常包含身体。

绘画提供了可触的、瞬间的、不偏不倚的、连贯的、肉体的在场。他是众多艺术之中最直接可感的一门艺术。从身体到身体。其中之一是观众的身体。而莫迪里阿尼画面中眼睛的缺席使我们产生了一种对内心世界的好奇。模特是在真正的被描绘，只需接受作者的情感抒写。wWw.meiword.COM这情感是单向的述说。

33岁的莫迪里阿尼在维尔画廊未能成功举办的个展中遇到他一生中最重要的爱人让娜.艾卜特儿，她十分美丽，在莫迪里阿尼的个人情感中占有的绝对地位，莫迪里阿尼为她画了许多作品，在这一时期里，莫迪里阿尼处于他一生中的最好阶段，画出了数量众多也是最杰出的作品。

约翰.伯格这样评论：“一个平坦表面所画的一根曲线——不是直线——已经是在把玩绘画形象的特殊魔力了。曲线停留在表面，像个手写字母c，同时它可以离开表面，填充上一个近似的体积，也许是一颗卵石、一个桔子、一个肩膀。莫迪里阿尼从曲线开始他的每幅作品。眉毛、肩膀、脑袋、臀部、膝盖、指节的曲线。经过几个小时的创作、修改、精简、寻找，他希望提炼、保留这些曲线的双重功能。他希望找到的曲线，是字母，同时也是血肉，能够为熟悉此人的人们构成某种如同人名的东西。在莫迪里阿尼的绘画里，意义更深远、更重要的是当画面上没有词语的时候，他落笔的曲线是二维的，像书写；同时也是三维，像脸颊或的线条。正是这一点赋予莫迪里阿尼画中的几乎每个任务一种剪影的性质——虽然实际上这些人像色彩鲜艳，而且在其他的方面，它们恰与剪影相反。但是，剪影同时是物质和二维的符号。剪影同时是书写和存在”。

他的色彩与他的线条、曲线运用一样独特，一样了不起。约翰.伯格说：“至少在两个世纪内，无人画出如此容光焕发的肉体”。莫迪里阿尼的色彩是现实与情感的交融。

他的作品里抛弃了三维空间，进入精神世界，超越时空阻隔。将作品依附于心灵的描绘、内心的感受，释放出情感。他的绘画作品之所以得到如此广泛的认可，是因为它们的主题是爱情。通常是直露的，有时候不是。许多画家描绘情人的形象，但莫迪里阿尼所画的形象仿佛是爱人企图描绘被爱者的形象。他懂得其中的奥秘在于发现与揭示一些结构法则和完形欲，它们是爱人想象被爱者的某些方式。他所感兴趣的是浪漫爱情和诱惑；他画中的形象与坠入爱河有关。

被爱者是单数的、独特的、孤立的。姑且不提任何给予的价值，我们的定义越是接近，我们便爱得越亲密。有限的轮廓是其对立面，这轮廓包含着感情发起的无限。这是莫迪里阿尼经常拉长人像和面孔最深刻理由。拉长是为了尽可能接近定义，为了靠得更近。坠入爱河之际，意中人的目光是凝神专注、含情脉脉的。此刻，纵有千言万语，相互拥抱，也难释爱意，唯有缱绻缠绵，方能接近这种感觉。他作画的过程就像是在真正抚摸对象。

我前不久看过《莫迪里阿尼》这部电影，由于莫迪里阿尼是犹太人，要想和非犹太人结婚会遭受各种巨大的压力。他在辛苦拿到与让娜.艾卜特儿的结婚书后，情感的混杂把他拽进了酒吧，他在酒吧烂醉如泥，却因口袋空空遭毒打。这时他的画作《让娜.艾卜特儿肖像画》正在展厅与毕加索同台竞技，赢得了观众喋喋不休的掌声。因为莫迪里阿尼首次为让娜.艾卜特儿画上了色彩美丽的双眼，莫迪里阿尼说过：“当我真正了解你的时候我就会为你画上眼睛”。由于伤势过重，次日莫迪里阿尼辞世。

我不会道出莫迪里阿尼艺术的所有秘密，或者他作品所述说的所有秘密。它与陷入爱河的秘密相同。而这两者之间确实有些共通之处。也许正是这一点，艺术理论家没有抓住，而那些房间钉满莫迪里阿尼作品明信片的人们却没有错过。

（约翰.伯格《讲故事的人——莫迪里阿尼的爱情入门》）

参考文献

［1］《讲故事的人》约翰·伯格著.广西师范大学出版社出版时间：20xx.9

［2］《约定》约翰·伯格著.广西师范大学出版社出版时间：20xx.10

［3］《观看之道》.约翰·伯格著.广西师范大学出版社出版时间：20xx.9

美的感觉的艺术 解读叶灵凤小说的艺术追求_艺术理论论文 第八篇

摘要:叶灵凤的小说充满了伤感孤寂和唯美的情调。叶灵凤的小说是对自我心灵的书写，其所渲染的正是这种远离大地远离物质的只属于心灵和情绪的迷醉。其次，叶灵风小说的景色描写具有着苍凉幽寂的韵味，蕴蓄着主人公的寂寞情怀。第三是爱情之美，小说中男女主人公的相爱似乎不是为了相守，甚至不是为了幸福，只是在相爱中感受着那种两颗寂寞又孤独的灵魂相契时温暖又惆怅的感觉。

关键词:叶灵凤；小说创作；感觉的艺术

爱情是世界上最古老而又永恒的主题。叶灵凤小说的题材永远执着于男女的情爱和婚姻，并用笔来幻化出一切美的感觉，使之贯穿在小说的各个方面。叶灵凤小说使完美的爱情故事在一种美的环境中，发生在美貌的人身上，而他们所关注也正是灵魂的自由与心灵的契合。

这种美与幸福无关，只是一种架空的灵魂和想象，一种虚妄的无法同现实相接的思绪和感觉。在这里，脆弱是一种美，若即若离的感觉是一种美，心碎无声是一种美，别离是一种美，近在咫尺却忍痛割爱是一种美，浓浓的相思是一种美……可以说，叶灵凤小说的美是一朵病态的花，是一朵远离尘世的极精美又必定在今生美丽地枯萎的花。一朵花的盛开是美丽的，它的凋零却更加的凄美而无限的伤感！

一、情绪的弥漫——架空的梦幻与灵魂

叶灵凤的小说是对自我心灵的书写，无关现实的，只有流动的意识和浓烈的相思。小说中充斥着大量的心理和梦幻的描绘。小说中所着力展现的也正是其所描绘的心理的挣扎，灵魂的闪光以及绮丽的美梦。WWW.meiword.cOM小说所渲染的正是这种远离大地远离物质的只属于心灵的情绪的迷醉。所以叶灵凤的小说中情节被淡化的让人感到无关紧要，只感受到作品中感伤的情调。另一方面，叶灵凤的小说想象的作品，很少有对现实的社会的描摹。在中国的二三十年代，当大部分知识分子以笔为戎的进行着启蒙和人生的书写的时候，叶灵凤却坚守着唯美主义观念，在自己的世界里虚构着一个个奇幻的故事。

叶灵凤的小说以有时是书信体的内心独白，有时是全知的叙述者对主人公心理的细致，有时是对梦的描述，有时是对传说的讲述。无论以那种方式，作者都殊途同归的将读者带入一个只属于主人公的私密的想象的空间，体验他们灵魂深处的秘密。这些与现世无关，与生活无关，只是灵魂和思绪的流淌。例如，《女娲氏之遗孽》，作品共分九章，前八章尽是惠在日记中的内心独白，而第九章虽有作为旁观者“我”的客观描述，却仍然夹带着莓箴的饱含深情的信件。从而使使读者进入一个思绪的空间，感受到思绪的弥漫。《处女的梦》描绘的是一个少女因为喜欢一个名叫昙华君的小说家而产生的一系列的心理活动和内心独白。以至于在梦中和昙华君相遇，而昙华君也为这种纯洁而美丽的灵魂所感动。小说中洋溢着一种温柔而又浓烈的少女之思。而另一篇作品《丽丽斯》的传说则充满了浓浓的忧郁和珍惜之情。

二、苍凉幽寂——寓情于景的寂寞情怀

叶灵凤小说中的环境都有一种宁静幽思的美。他用一种清新婉约的笔触，勾画出了一种既宁静孤寂又令人无限遐思的诗意图画。叶灵凤小说中的景色，无一例外的都是这样的静美，即便是三十年代创作的现代派小说，虽然发生在十里洋场的都市，却不见的有一点喧嚣迷乱的场景，就连其所描绘的霓虹灯也是失了色的，暗淡的，一如他忧伤有孤寂的心境。而在叶灵凤其他小说中的作品景色则多为宁静的郊外、洒着夜色的马路，安静的图书室，以至于世外桃源般的古城。这些景物是叶灵凤对于自然之景的喜爱，同时更是其性灵及其孤独寂寞的心灵的体验。

叶灵凤对晚风中的深秋、细雨中的落叶颇为钟爱，在其小说中多次出现这样相似的情景。例如《浪淘沙》中有这样的描写“是一九……年的深秋时季。s埠西郊静安寺路上，远方的天际，正绚烂着血红的晚霞，街灯还没有上，只有两旁几家富人的大厦内，从帷幔深处的窗棂中，已经映出灯光了。晚风从园树中吹来，薄薄的带点寒意，拂到行人的脸上，能使人感到萧条和寂寞。尤其是在一辆汽车卷了沙土疾驰过去之后——这种情调，正是深秋的都市之特征，在这傍晚，正随着朦胧的暮霭，在路上到处都流淌着。”{3}这段描写成功的表现了主人公的寂寥之情，使读者仿佛看到了那个在都市傍晚的路上独自漫步，静静幽思，又寂寞又充满着艺术才情的主人公。又如《妻的恩惠》中，凄清宁静的玄武湖，残缺斑斓的古城墙，也正是主人公凄凉寂寥的内心写照。《忧郁解剖学》中的景色描写温暖而又宁静，似乎是在诉说着男女主人公久别重逢后既温暖欣喜有惆怅寂寥的心绪。

三、破碎的美——凄美的爱情悲剧

叶灵凤小说中的男女主人公，他们的爱情似乎只是为了爱情本身，抑或是品尝爱情路上的种种滋味。他们在人世上漂泊，在茫茫的沙漠里踟蹰，他们的生活是毫无意义的，直到寻找到了那个与自己的灵魂相契的美丽心灵。他们相爱似乎不是为了相守，甚至不是为了幸福，只是在相爱中感受着那种两颗寂寞又孤独的灵魂的相契时温暖又惆怅的感觉。为了这种相知、相契的灵魂他们甚至宁愿自己一生都在温暖的寂寥中度过。

叶灵凤小说中，论男女主人公，还是其所处的背景，所爱的东西都是美丽、精致而脆弱的。小说中的爱情有纯美的初恋、也有不道德的禁地之恋，但是无论哪种，相爱着的灵魂都是纯洁而无私的。他们的灵魂追求着自由，他们坚信他们这样的追求是正当的。叶灵凤小说中的男女主人公多是因美貌、情欲而相吸，因灵魂的相契而相爱。但是在爱的过程中却往往超越了情欲而上升为一种无私的奉献的爱，一种长长的剪不断的相思。他们为爱而生，在爱中可以为对方奉献一切，幸福、名誉、诺言都不重要，只要他的爱人能够幸福。

然而爱别离是叶灵凤小说的最大特点，叶灵凤往往将热恋中的男女置于困境，甚而相互分离，使他们沉浸在相思的痛苦的甜蜜的忧伤中。他的小说没有一篇会使真正相爱的男女主人公最终走到一起，似乎走到一起才是不完美的结局。而这样相隔的忧思和反抗中浓浓的相恋才是真正的完美。《忧郁解剖学》中的男女主人公都不会向对方提出结婚，他说“在我们之间，这是不应该有的事情。我虽然有时很自私，但是这一点比幸福还珍贵的东西我还是知道爱惜的。”他们爱惜的是相离，是相离后彼此默默的铭记对方，只在记忆中一刻都不曾忘记的寂寞又温暖的相思着。只留有灵魂相契时互放的光芒。

四、结语

叶灵凤的小说是一种美丽凄艳却又与现实无关的精美的艺术品。叶灵凤的小说带有古典小说鸳鸯蝴蝶派的浪漫情调，有都市的感伤孤独情怀。叶灵凤追寻的是一种只属于美的东西，从语言到其所塑造的环境、人物、故事以及不断变化不断求新的艺术手法上，都可以看到叶灵凤的唯美主义艺术追求。但是在追求美的同时，叶灵凤小说的内涵也并不是一片虚无，它包含着探索人性、探索灵魂和爱情的深刻主题。

参考书目：

叶灵凤：叶灵凤小说全编[m]，上海：学林出版社，1997年12月。

[2] 霍兰李，芬芳：王尔德论艺术[m]，百家出版社，20xx年。

[3] 张艳红.叶灵凤小说中的自我意识[d]. 中国优秀博硕士学位论文全文数据库 (硕士),20xx,(11)

[4] 罗俊华. 论叶灵凤的小说创作[d]. 中国优秀博硕士学位论文全文数据库 (硕士), 20xx,(03)

[5] 贺剑. 时尚与古典并存 浪漫与唯美同在[d]. 中国优秀硕士学位论文全文数据库, 20xx,(06)

浅析居住空间的软装饰艺术与纤维艺术_艺术理论论文 第九篇

   摘 要：以人为本的居住空间最能表现人们的生活内涵和品位，因此空间的设计与布置就更显其重要性了，尤其是在装修完毕之后，对空间的二度陈设与布置，每个环节、每件物品的陈设，无不表现出作者的独具匠心。笔者着重从软装饰的社会需求性探讨，正视高校教学改革的发展方向的所在，并逐渐成为室内装饰中极具潜力的重要发展方向。室内“软装饰”已经成为现代家庭装饰中不可回避的重要装饰手段，毋庸置疑的是室内“软装饰”将成为未来的流行趋向。

关键词：居住空间 软装饰艺术 纤维艺术

1.软装饰艺术

软装饰艺术设计需要具有较高文化素质和艺术修养，熟练各种装饰材料性能和工艺制作技能，具有较高的装饰艺术创作设计能力和初步的科研能力，涉及企事业部门、各类设计公司从事室内外设计、装饰绘画、景观设计、家具设计、小区规划等创作设计。

居住空间的软装饰通过在室内环境中，对经特别选择之后的家具、工艺品、收藏品、灯具、花草植物等可移动装饰物进行构成组合。软装饰对室内空间的分割大多采用象征性的形式。创造开放性的多元化空间，这样不会使空间显得拥挤，使室内的空间无须“硬隔断”便可得到充分利用，并可以产生富有节奏感的交相辉映的装饰美感。在室内软装饰阶段，我们可以用家具、屏风、地毯等移动装饰物来对室内进行空间功能的划分，一块地毯，一组低柜或一个小型雕塑，我们便可以利用其位置的摆放来对室内划分出一个虚拟的空间来，人们在室内的行进线路会自然地绕开这些物体，从而在室内进行“隔断”便可以虚拟出不同功能的空间。WWw.meiword.COM在室内环境设计中，合理运用开发这种“软环境”可以创造出温馨、惬意的居室环境和各种舒适宜人的情调空间。室内纺织品设计在成功的室内环境设计中起着至关重要的作用。作为人的另一层皮肤和室内建筑空间内层的纺织品，它是作为联系外部装修和人之间的媒介而存的，是把人引向更另舒适的室内环境的桥梁。室内纺织品和室内空间的相融之处，正是人类生活最理想的室内环境。

2.居住空间中软装饰的流行趋势

在当今个性化、多元化的信息时代,市场竞争日趋激烈,消费观念也在不断发生变化,人们对生活、起居的居住空间要求也从简单实用过渡到更高层次的追求.这就要求我国设计师从使用功能、从消费者的情感出发,构思创新的居住空间设计概念,即概念设计.运用概念设计独特、创新的特点,使居住环境能够适应新的消费观,促进我国居住空间设计水平的提高,立足于民族文化之本,实现与世界对接的同步发展.家用纺织品是软装饰中最重要的装饰手段。室内纺织品设计要根据特定的室内环境来考虑具体的装饰，只有注重艺术性和主题性，才能创造出高品位、有人情味、艺术感强和有吸引力的优美环境。因此，室内纺织品设计要有一个与室内空间形态、物质形态相关联、独具特色和立意新颖的主题。个性化的体现无疑是居住空间的主流趋势。

3.纤维艺术—diy装饰创作

80后的居家理念：舒适、情调、等以此展示自己对待生活的态度。比如运用钩针的技法，制作沙发上的靠垫，或是茶几上的面巾等，以及布衣情侣娃娃，作为生活的一角。无不体现出，生活的易趣。纤维艺术是现代艺术的一种形式,它泛指一切以纤维材料进行创作的艺术作品，包括各种编织、印染、绗缝、软雕等等。目前，中国的纤维艺术随着现代主义文艺思潮的影响与传播，艺术家们对纤维材料的积极探索，与世界各国纤维艺术的不断交流，及高校纤维教育的开展，中国的纤维艺术焕发出勃勃的生机。虽然纤维艺术的材料是客观存在的物质形态,本身具备自然的符号,但作为原始材料,只有通过纤维艺术家灵巧的双手,有意识地去运用贴、绘、编、捆、缝等多种独特的手工艺方式,在线与线的交错中,凹凸变幻的肌理中,传达出人与自然融合的符号语言。如一条条杂乱的稻草、藤条、柳,经过编织便成为一件朴素的壁饰 ;一堆堆破旧的废纸在加工成纸浆或折叠拼接后,可创造出富有肌理感的纤维装饰画 ;残败的枯树枝被不同的毛线包缠后,又被赋予了生命延续之感。总之,现代纤维艺术，随着多种材料和纯手工艺制作的发展,愈来愈明显地进入到人们的观念中,产生视觉和心理上的美学效果。两年一度的“从洛桑到”国际纤维艺术双年展，给我们留下许多启迪，从作品中探究现代纤维艺术发展的诸多特点，体会东西方不同文化传统上所呈现的不同艺术形态和文化观念。近年来中国纤维艺术发展的可喜成绩，中国纤维艺术家的作品日臻成熟，呈现上升之势。

4.结语

总之，要营造理想的室内软环境，首先要从满足使用者的需求心理出发。不同的和文化背景，不同的社会地位的人，都有不同的消费需求，因此，也就会有不同的“理想”环境。只有把人放在第一位，才能使设计人性化；只有对不同的人做深入的研究，才能创造出个性化的室内环境；也只有坚持“以人为本”的宗旨，才能营造出理想的现代室内软环境。 如今,纤维艺术已经在中国的高校开花结果,一批热爱纤维艺术的教育工作者正乐此不疲地耕耘在讲坛和工作室里。纤维艺术不断与国际交流，吸取着欧美纤维艺术观念的开放性思潮，保留发扬着我国古老而独有的情怀和含蓄深远的意趣，也基本实现了传统手工艺与现代科技的完美结合。我国的纤维艺术在中国的经济日新月异和环境十分稳定下，在不断与世界的交流学习中，在国内纤维艺术教育的普及和国人审美情趣的不断提高中，一定会开拓出美好的明天。

参考文献：

[1]林乐成，王凯.纤维艺术.上海画报出版社，20xx.4.1.

[2]朱尽晖.现代纤维艺术设计.陕西美术出版社，20xx.10.

[3]林乐成，刘芳.“从洛桑到”第三届国际纤维艺术双年展20xx，1.

[4]《时尚家居》，20xx年01期

论新闺阁艺术与传统闺阁艺术的渊源_艺术理论论文 第十篇

摘要：纵观我国女性艺术，从古至今其主流仍然是闺阁艺术，当代的新闺阁艺术有其特有的艺术魅力亦有其局限性，本文从客观的角度新闺阁艺术的形成、发展的深刻的社会原因以及它和传统闺阁艺术的历史文化渊源。

关键词：闺阁；新闺阁艺术；传统闺阁艺术

1、传统闺阁艺术及其文化背景

“闺阁”多指内室。即女子的卧室。闺阁艺术古来有之。清代学者厉鹗《玉台书史》和汤淑玉《玉台画史》都有对闺阁艺术的记载。旧时女性的一生几乎都被“幽禁”在狭小的闺阁中，绘画对于她们。跟刺绣等女红异曲同工。闺阁中的旧时女性们由于社会地位的附庸和生活空间的狭小使得她们不可能得到精神上的真正的自由，从来都是作为男性观赏或寄情的对象来体现自身的价值。

始于周代的闺媛礼，其目的就是将闺阀中的女子培养成为符合社会规范的女性。《礼记·内则》记载了周代的妇德标准，这是是闺媛礼发展的基础。到了汉代，闺媛礼发展完善。前汉刘向作《烈女传》，后汉班昭作《女诫》，更有汉代之后的《女儿经》《女论语》等，对女人的素质教育不断受到加强和巩固。

在此背景下发展的闺阁艺术，涵盖了从诗词、书法、音乐、舞蹈到绘画等的领域。如李清照的闺秀词、朱淑真的断肠绝句，就充分体现出闺阁女子的阴柔婉约。读李清照的《点绛唇》，“见客人来，袜划金钗溜。和羞走，倚门回首，却把青梅嗅。”，闺中少女那种既天真娇憨、又调皮开朗的形象仿佛就在我们眼前。一生过着“幽栖”生活的女词人朱淑真更是典型的闺阁女子，如一首《菩萨蛮》(秋)：“山亭水榭秋方半，凤帏寂寞无人伴。Www.meiword.cOM愁闷一秋新。双蛾只旧颦。起来临绣户，时有疏萤度。多谢月相怜，今宵不忍圆。”表达自然率真，创造目的十分纯粹一一写给自己看的，为的是宣泄心中郁积的苦闷。

传统闺阁画，如赵文淑(明)的《春蚕食叶图》，仇珠(明)的《琴棋书画》、马守真(明)的《芝兰竹石图》及徐灿(清)的《观音像》等，与其同时代男性画家的作品从内容、题材到画面形式有很大区别。需要严厚的造型功力和表现出相对广博的社会生活内容的绘画，如《韩熙载夜宴图》和《清明上河图》之类的作品，从来没有在传统闺阁画中出现。传统闺阁画的选材很少有超出花草虫鸟、观音大士和闺阁中的人物一类日常所见内容，画面体清丽、纤细的格调，传递出一种闺阁女性所特有的那种观花落泪、触景生情的阴柔气息。

仇珠的《琴棋书画》，画面轻柔婉约。工细慎密的线条与所画内容珠联璧合。赵文淑的《春蚕食叶图》通过对春蚕和桑树、桑叶的描绘。表现画家对生活中小情趣的关注，传达出天然恬淡的生活气息。

大体看来，传统闺阁艺术是闺阁女性们基于自身生存状态的独特视角引发的独特感悟，是在狭小生活和精神空间中，缓解自己的寂寞的一种方式，或者说，是闺阁女性们在特定的社会文化背景下不自觉的一种艺术形式。这种艺术形式随着历史的发展延续下来。上个世纪二、三十年代。一些妇女进入中国画坛的主流。她们尽管学到了一些西方的表现手法，但绘画题材和思想内涵几乎和古代的闺阁画没有区别。到了上个世纪六、七十年代，“不爱红装爱武装”成了社会评价女性并且也被女性自身所认同的的价值和标准，社会要求女性们的一切(包括艺术价值和艺术标准)均向男性看齐。这样。她们终于冲出了闺阁。于是闺阁艺术暂时告一段落。

2、新闺阁艺术与传统闺阁艺术的异同

历史行进到上个世纪七、八十年代，人们最渴望的是摆脱长期以来对人性的控制。此时的女性艺术家不愿再限囿于以往程式化的压抑天性的表现方式而更愿意还原自己的“女性”身份、表现个人的思想。出于对和历史的恐惧，女性艺术家们几乎是顺理成章地接受了传统女人的生活观念：居家、闲散、与世无争。普遍选择女人、儿童、母亲和花草担任艺术的主角。这一时期的女性绘画不管从艺术观念、语、言模式、和评判标准来讲都与传统闺阁画有内在的联系。它是女性艺术家在新的历史背景下对传统闺阁艺术的某种追忆和发展，这段时期，应该可以看作新闺阁艺术的形成期。

直到二十世纪九十年代。在女性主义思潮的背景下，中国的女性艺术家才开始“以一种独特的女性视角观照自身与诠释世界。将她们高度的个人经验、隐秘的心灵事件、多重的情感体验展示在她们的作品之中”(摘自贾方舟《二十世纪的中国女性艺术家》)。闺阁艺术，发展到此时已经有了女性们强烈的自我意识，她们对自己的艺术有着自己的已成体系的主张和观点，她们已经从旧时的困于闺阁的被动、无意识和无奈变成对闺阁的主动、自觉选择和依恋。她们的艺术有自己的评判标准，从自己的闺阁女性视角阐释世界。有了的精神指向。

社会的发展赋予新闺阁艺术家们更大的自由空间，新材料和新技术的运用丰富了她们的艺术语言，相比旧时闺阁艺术家们已然不可同日而语。在她们的作品中我们已经既可以看到纤细含蓄、清丽婉约的艺术风格。也可以看到造型力度和视觉强度都极具震撼力的风格类型。

3、新闺阁艺术是当代女性绘画的主流

西蒙·波娃在《第二性》中道：“女人由于无法去完成具体的建树与事业的成就，身为妻子、母亲和家庭主妇，她的存在不为人所重视，这逼使她在自我本身中求得存在。”

当女性艺术回到“闺阁”这个庇护所之后，显然女子们普遍感到安全、自然和惬意。一批又一批的女艺术家们乐此不疲，全身心地投入创作之中。虽然在当代女性艺术中偶尔也有关注社会发展与人类命运的大主题出现，但只是凤毛麟角。新闺阁艺术是当代女性绘画的主流。单纯的、几乎相同的题材在不同的女艺术家那里得到不同的诠释，不同的艺术家用她们“各自特有的直觉和生存经验，去体悟每一个生命的、情感的抑或充满人生意味的实事”。(摘自贾方舟《二十世纪的中国女性艺术家》)

以家庭为题材的女性艺术家人数众多，其中如王彦萍、阎平、甫立亚、刘曼文、申玲、喻红等。女性和家庭的关系如此密切，以至于难以想象出一个没有女性的家庭。

甫立亚直接将生活引入艺术，她的艺术，即是她的生活，如她的家庭、她的女儿等等，表现了一个女人对“家”的依恋。甫立亚曾谈到家对于她的意义：“……家，这既是庇护所，又是一种牢笼。你没有翅膀，你不可能飞翔。”(转引自徐虹《女性：美术之思》196页)刘曼文的《平淡人生》系列以司空见惯的平凡场景入画，画中反复出现丈夫、妻子和孩子。她的绘画和许多以家庭为题材的绘画的区别之处在于没有去渲染家庭的温馨和安全，而是将一种压抑、平淡、倦怠的气息一路呈现开来。题材同为“花”的女画家也不计其数，其中王季华的花通过坚实的形体和“恐怖”的气氛，营造出让人观看但不敢触摸的迷离不安的氛围。而孙国娟的“花”更具有“情爱”与“生殖”的“人世”意味(徐虹《女性：美术之思》)

将目光锁定在自身的女性艺术家不胜枚举，她们用艺术作品讲述自己身体和心灵的快乐与苦痛。无数的或写实或抽象，或美化或丑化的自画像层出不穷。

新闺阁艺术由于它与女性的血脉相通占领了当代女性艺术的绝对主流地位，这种占领是如此的自然而然，因为女性是从闺阁里出来的，而在女性能够对自己的生活方式作出选择的今天，“闺阁”又是她们自己心甘情愿走进去的。

参考文献：

[1]廖雯：《绿肥红疫》(m)，第l版，重庆：重庆出版社，20xx年11月，127页。

[2]端木赐香：《中国传统文化的陷阱》(m)，长征出版社出版，20xx年9月，第4章《中国文化中国女人》。

[3]徐虹：《女性：美术之思》(m)，第1版，南京：江苏出版社，20xx年11月，59页-83页。

[4]西蒙·波娃：《第二性》(m)。

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